Kunstausstellung im carathotel Basel

Kunstausstellung im carathotel Basel

Das carathotel in Basel / Weil am Rhein ist Schauplatz der ersten Ausstellung „caratart Episode 1“ des Kunstvereins caratart e.V. Auf den 10 Etagen unseres Hotels stellen 18 bekannte internationale sowie junge aufstrebende Künstler ihre Werke* aus.

Eine kleine Führung durch die Ausstellung:

Hendocs Objekte aus dem Projekt ei-che.de sind eine kraftvolle Hommage an die Natur in der Form archetypischer Sitzkultur. Auf den ersten Blick hart, schmiegen sich die „Sitzeier“ charmant an den Allerwertesten des Besuchers. Man möchte verweilen, doch es lockt die noch unentdeckte Kunst.

Als Fotograf hat sich Werner Pawlok mit Kunst-Fotografie Projekten international einen Namen gemacht. Werner Pawloks Bilderzyklen „Dantes Commedia“ und „Dantes Commedia II“ reihen sich ein in eine prominente Galerie von Bilderfindungen zur bedeutendsten Dichtung der italienischen Literatur. Doch Pawlok illustriert die von ihm ausgewählten Gesänge nicht, er entwirft vielmehr visionäre Bildmetaphern, die auf Dantes Verse mit entschiedener Geste reagieren, aber ihr eigenes Vokabular entwickeln.

Till Krautkrämer ist ebenso wie sein Mentor Werner Pawlok Fotograf; jedoch lassen sich seine Projekte eher der Konzeptkunst zuschreiben. Im Projekt „Meatwater – Dinner in a bottle“ persifliert er die Konsumkultur des 21. Jahrhunderts, die insbesondere in den USA, Krautkrämers Heimat seit 1996, skurrile Blüten treibt.

Stefan Beltzig reizen, wie viele Künstler, Orte, die sich im Umbruch befinden und denen einschneidende Veränderungen bevorstehen. In seinem aktuellsten Zyklus „Palma“ widmet sich Beltzig dem Endergebnis eines Transformationsprozesses, den eine alte Mittelmeerstadt über Jahrhunderte erfahren hat. Durch unkontrolliertes Wachstum ohne ein ästhetisches Gesamtkonzept hat die Ausbreitung kastenförmiger Gebäudekomplexe, deren Uniformität sie austauschbar macht, den einzigartigen Charakter der Stadt usurpiert und stattdessen eine Umwelt ohne Geschichte und visuelle Fokuspunkte geschaffen. Die Skyline der Stadt – verschieden hohe quadratische Formen – scheinen ein visuelles Symbol für den De-Individualisierungsprozess zu sein, der stattgefunden hat: das architektonische Streben nach Homogenisierung und Gesichtslosigkeit.

Gegensätze ziehen sich an. Und im Fall von Natalie Goller und Helge Steinmann a.k.a. Bomber ergeben sich aus dieser künstlerischen Symbiose tolle Gemeinschaftsarbeiten, die Gollers Malerei mit Graffiti Elementen vom Bomber verbinden. Gollers Heimat ist nach dem Studium in Stuttgart die Mainmetropole Frankfurt geworden. Diesen Heimat gewordenen Beton setzt sie in einen neuen Kontext und überlässt dabei dem Betrachter den Blick hinter die Fassade. Menschen sucht man vergeblich auf ihren Bildern. Farbenfroher geht es bei Helge Steinmanns auf die Leinwand gebrachten Graffitis zu. Doch zwischen den Farben lauern auch politische und sozialkritische Spitzen.

Die großformatige Malerei Stefan Stichlers sind persönliche und sehr expressionistische Abschriften seiner Gefühls- und Gedankenwelt. Aufgewachsen im Frankfurt der 80er Jahre mit Punkrock, Skateboard und der kreativen Kraft des Undergrounds lässt er sich in seiner Kunst von nichts einengen. Weder von Grenzen des Anstands, den Maßstäben der Gesellschaft und schon gar nicht von den Kanten eines Papiers oder einer Leinwand.

Der Wald und das Wasser – auf diese Motive konzentriert sich Mike Prinz’ aktuelle Serie der so genannten Seewälder. Obgleich es sich hier um Naturmotive handelt, wirken einzelne Elemente und Baumgruppen wie Figuren, die sich immer neu in der Landschaft anordnen und sich auf bizarre Weise im Wasser spiegeln. Das figürliche Zeichnen, das in einer früheren Schaffensphase stark im Mittelpunkt stand, fließt unübersehbar – und ganz bewusst – ein in die Landschaftsbilder der letzten Jahre. Neben den zum Teil sehr morbide wirkenden Wäldern und Baumstämmen, die die Bilder des Künstlers bevölkern, machen vor allem die expressionistischen Farben seinen besonderen Stil aus.

Guido Michl zeigt eine kleine Retrospektive von Graphit- und Buntstiftzeichnungen, die einen Ausschnitt seiner Themen bietet: Figürliches, Porträt, Interieur und “Morph-Gestalten” (eine Technik, welche die dargestellte Figur umschreibt, z.B. durch Hintergrund und Kleidung, die Person selbst aber auslässt).

Die Baslerin Christine Battaglia-Zumstein befasst sich in ihrer Bilderreihe „it’s a flowersworld“ mit dem Gedanken des Werdens, Blühens und Vergehens. Jedes dieser Phasen hat etwas faszinierendes, einmaliges und letztlich nichts bleibendes.  Es ist ihre eigene Art mit den medialen Geschehnissen und Weltereignissen umzugehen.

Tanja M Ernst beschäftigt sich seit 2002 mit dem Thema Heimat (allein in den Jahren 1998 – 2004 Besuch von 17 Heimat- und Freilichtmuseen in Deutschland, Frankreich, Spanien und den USA) und mit der Frage, wie sich das Thema in der deutschen Gesellschaft entwickelt. Das Projekt „Unschuld in Eden“ versucht zu zeigen, wie eine kleine Gruppe deutscher Fans, eine “kleine exzentrische Familie”, in indischen Filmen ihre Heimat gefunden hat.

Der Frankfurter Künstler Nicolaj Dudek arbeitet virtuos mit einer Vielzahl von Materialien. Mit Kohle, Wachsstift, Bleistift, Tinte oder Wasserfarbe auf Papier und Lochkarten. Mit Gouache auf Magazinseiten. Und wie auf den in der Ausstellung gezeigten Werken mit dem Tacker auf Wänden, Gipskartonplatten und Holz.

Betrachtet man die Lichtmalerei von Tom Zilker mit genügend räumlichen Abstand, so ist nicht zwingend zu unterscheiden, ob es sich bei dem Bild um eine Fotografie oder eine impressionistische Malerei handelt. In der Natur bestehende Strukturen werden interpretiert, verstärkt, mit der vorhandenen Lichtstimmung modelliert und verwaschen. Damit kann das wesentliche Merkmal des abgebildeten Objekts zum Vorschein kommen.

Die Auseinandersetzung mit der Barock-Malerei und ihrem besonderen Stimmungsgehalt ergeben einen spannungsvollen Kontrast zu den früheren Werken von Andreas Beck. Obwohl Arbeiten aus dem Zyklus auf den ersten Blick zum Teil abstrakt anmuten, enthalten die Titel der Bilder Momente des Ironisch, Zynischen, Lyrischen, Poetischen und Absurden. Sie sollen eine leichte Verwirrung schaffen, sind ein Metakonstrukt gegen den ersten oberflächlichen Blick. Die Titel versuchen den Betrachter in das Bild hineinzuziehen, lassen sie lachen, sich wundern – und nachdenken.

Bei einer realistischen Malweise wie Gabriele Strehlau sie praktiziert, wähnt man sich als Betrachter und als Bildschaffender leicht in Sicherheit, glaubt die Geschichte dahinter zu erkennen. Doch genau diese vermeintliche „eine“ Deutung möchte sie nicht zulassen. Die Geschichten, die sie mit ihren Bildern erzählt, liegen ganz im Auge des Betrachters, sollen an Unterbewusstem rühren, Assoziationen wecken.

Hannah Feigl schafft assoziative und gleichsam lebensnahe Portraitinterpretationen, die private und intime Wesenszüge der Porträtierten aus der trivialen Unbewusstheit des Alltages in den geschützten Raum der Kunst zu transponieren vermag.

Dmitri Krenzers Arbeiten zeichnen sich durch ihre Reduziertheit aus. Krenzers zumeist in Acryltechnik gemalten Bilder wirken streng durchkalkuliert, der Tradition der Konkreten Kunst verpflichtet. Nur auf den ersten Blick zeigen sich seine Arbeiten dabei als streng serielle Reihungen von Punkten. Beim näheren Hinsehen öffnet sich dem Betrachter ein bildnerischer Kosmos, der Elemente wie Raum, Zeit und Vergänglichkeit mit einschließt.

Jedes Bild von Bombolo ist Ausdruck einer eigenen Persönlichkeit, wie sie in sich geschlossener kaum vorstellbar ist. Und manchmal hat der Betrachter fast den Eindruck von einer unendlichen Reihe von Selbstporträts, die die vielen Aspekte, die unterschiedlichen Facetten des Menschen Bombolo zeigen.

Nach diesem kleinen Rundgang bleibt uns eigentlich nur noch eines: Ihnen eine wunderbare Entdeckungsreise durch unsere Ausstellung zu wünschen.

Ausstellungskatalog:

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*Am 20. Juni wurden die Originale der Kunstwerke gegen Reproduktionen ausgetauscht, um den Künstlern die Originale für weitere Ausstellungen zur Verfügung zu stellen.

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